El Libro de artista, una obra de arte…

Contemplarlo, tocarlo, olerlo, sentirlo…

All rights reserved. © Carmen Alarcón .  

Por Carmen Alarcón Collignon

El libro de artista como concepto formal es una manifestación estética autónoma que en la actualidad deja de lado los conceptos decorativos o documentales de la ilustración para convertirse en una representación estética concebida como un todo, no es una extensión de los lenguajes visuales utilizados en la plástica, como tampoco es una obra literaria embellecida con imágenes. El libro de artista se caracteriza por conservar la estructura del libro, mantener la forma que implica la lectura y conservar el desarrollo espacio-temporal y la disposición lineal aunque sólo se componga de imágenes, es preciso que conserve las características físicas del libro y su vocación interpretativa.

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Dentro de las expresiones plásticas que utilizan el libro como soporte se encuentran varias formas de manifestaciones asociadas al libro de artista, muy distintas entre ellas de acuerdo a su naturaleza, así damos cuenta del libro ilustrado o álbum ilustrado, libro de ideas, libro de apuntes, de bocetos, diario de artista, diario de viajes, libro de autor, libro de grabado, libro de fotografía, libro de arte, revista de arte, catálogo de artista, libro objeto… cada una de estas formas encuentra su propia definición, los hay que siendo ejemplares bellísimos sólo podemos apreciarlos como artesanía muy fina, otros que ilustran el texto, poesía o narrativa de un escritor, los que son el resultado de la colaboración de un dibujante y un grabador, es conveniente en este punto aclarar que el libro de artista tiene un solo autor, que decide hacer su obra en el formato de libro, que sabe que su libro de artista debe conservar ciertas características del libro actual. No es un libro de arte que hable de su obra, tampoco está ilustrando el texto de un autor con sus imágenes, fotografías, gráfica o pintura, ni es un libro que habla sobre el arte; el libro de artista es una obra de arte y saber lo que no es, nos permite definir lo que es, conocer sus límites y oposiciones con otras obras que utilizan el libro como soporte.

Cabe asentar que definitivamente no es un libro de arte, es una Obra de
Arte, completa, concebida y realizada por un solo artista visual en su totalidad, que decide representar su obra a través del formato de libro, cuya forma y contenido son un todo en el que se expresa y manifiesta por medio de su lenguaje visual y en el que se reconoce el pensamiento plástico del artista, es un género interdisciplinario, nuevo e independiente que debemos diferenciar de la pintura, escultura, de la gráfica en toda su extensión o de las obras literarias presentadas en libros artesanales o embellecidos.

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Su contenido no es propiamente literario, sin embargo esta cercano a lo textual o a lo plástico, aproximación que beneficia al artista en el carácter expresivo de su obra, no obstante que el libro de artista consiente el uso de nuevos materiales y formatos en el soporte del libro, que ofrece infinitas posibilidades de manifestaciones estéticas combinando técnicas, tipografías, encuadernaciones artesanales, caligrafías y una gran libertad expresiva, esto no hace del libro una obra de arte.

El libro de artista puede adoptar múltiples formas relacionadas con su lectura, formatos innovadores sin perder la particularidad de libro que permite al lecto-espectador la lectura del discurso plástico secuencial comprendido en su forma, transmite el mensaje visual de la obra de arte en su propio lenguaje, consintiendo que el autor logre lecturas exquisitas de contenido lúdico y al espectador contemplarlo, tocarlo, olerlo, sentirlo…

carmenalarconc@hotmail.com

Papel kozu montado sobre papel Fabriano

El dibujo

 

El dibujo

La importancia de la estructura…

 

Por Carmen Alarcón Collignon

 

"El perfumado canto de Aureliana"
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El dibujo es una forma de expresar el entorno que rodea al artista, es la representación gráfica de esa realidad en un medio o soporte bidimensional, es  lenguaje universal del que se echa mano para significar lo que no se puede expresar con palabras o, lo que al expresar por medio de la imagen alcanza mayor emotividad. Así se puede decir que el dibujo es un medio que comunica ideas: estéticas o filosóficas; como lo usaron en la prehistoria los primeros hombres para comunicar signos de su entorno. Estos primeros dibujos se remontan a hace 35 000 años, son representaciones con las que el Homo Sapiens simbolizaba lo que le rodeaba y tenían algún significado para él, el hombre prehistórico utiliza el dibujo para ornamentar su vivienda y comunicar un significado. Desde entonces el dibujo ha sido utilizado como lenguaje gráfico universal que permite comunicar ideas y pensamientos entre los seres humanos.

El hombre desarrolló dentro de la técnica del dibujo, dos formas de expresión gráfica distintas: la artística y la técnica o científica. Es el dibujo técnico del que se ha valido el ser humano para representar los diseños de un sinfín de objetos utilitarios, por el otro lado el dibujo artístico le ha permitido expresar su forma de percibir la realidad, a través de ambos dibujos ha elaborado tanto planos para realizar los objetos como dibujos a mano alzada que embellecieron libros, lugares públicos, mobiliario, textiles, etc.

Aduciendo  un poco de historia, cabe decir que los egipcios emplearon el dibujo para decorar los muros de las pirámides al igual que los antiguos pobladores de México. Son los griegos los que aportan la proporción armónica en el dibujo y los romanos le conceden con la diversidad de formas la magia de la línea. Muchas han sido las aportaciones que los pueblos de la antigüedad han otorgado al dibujo, sin embargo es hasta los albores del Siglo XIX cuando se rompe el esquema de unidad de estilo y se aborda con el dibujo nuevas perspectivas en la expresividad plástica. Es el momento en que la expresividad deja de lado a la técnica para atribuirle al dibujo actualidad.

Las diversas formas en que se modifica el dibujo contemporáneo, a pesar de ser una de las técnicas de arte más tradicionales, permite que transmute con otros lenguajes plásticos y se convierta en un expresión híbrida que dialoga con otras formas expresivas más contemporáneas. No obstante lo anterior, una característica primordial del dibujo, es y será: la línea. Se debe destacar como particularidad del dibujo, la síntesis de recursos que esgrime la técnica, se podría parafrasear aquello de: “Menos para expresar más”. También es importante anotar que en la definición del término dibujo se entiende éste, como la sucesión de puntos unidos para conformar una línea. Además hay que anotar que es el papel, el soporte más común para el dibujo, aunque actualmente,  cualquier soporte es utilizado para conferirle al trabajo del artista mayor carga expresiva.

Con el dibujo espontaneo el artista expresa su manera de percibir la naturaleza, su capacidad de imaginación está íntimamente ligada a su percepción, y ésta a su vez al trazo, a la línea. Las imágenes son responsables de la formación de pensamientos en la mente, que se convierten en palabras o imágenes auditivas de finos trazos mentales.

"Dos suspiros"
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En el dibujo técnico el diseñador encuentra el lenguaje para proyectar y hacer entender de manera universal lo que está representando, suele ser dibujo que esgrime las formas geométricas, es una forma de dibujo destinada a personas capacitadas en el uso de herramientas de precisión. El dibujo técnico es la idea gráfica de un diseño que el diseñador propone para su construcción. Es una técnica importante para la industria, ingeniería y arquitectura.

Frecuentemente el dibujo ha sido concebido como el estado previo a la realización de una obra de arte, ha sido percibido como una imagen que se desvanece ante la consumación de una pintura o escultura, sin embargo muchos de estos dibujos que se quedan detrás del telón conforman la expresión del artista, son la idea primigenia de la imagen a realizar; son conocidos como bocetos o bosquejos y representan el proceso, son la manera en que el artista llega al destino final de una imagen, ideas que muestran el camino a seguir.

En ocasiones el dibujo contemporáneo no representa objetos ni imágenes conocidas, es frecuente encontrar que medios actuales de expresión se unen al dibujo y forman estructuras expresivas más complejas en las que la simbiosis de estas estructuras y los soportes bidimensionales transforman la representación gráfica al incorporar elementos como el video o las herramientas multimedia

El artista se apropia de lo cotidiano para generar nuevos soportes que permiten interactuar al espectador y pensar al artista en realizar una representación gráfica hecha por el espectador y generar un dialogo cercano con el público.

 

El aguatinta y el  procedimiento de esta técnica

Por Carmen Alarcón Collignon

Habitualmente las técnicas del aguafuerte y  aguatinta, la línea y la mancha, van de la mano en el grabado artístico. Para realizar una estampa con ambas técnicas es preciso desarrollar primero el diseño sobre la plancha cubierta de barniz con una punta de grabar y después efectuar el baño de mordiente para conseguir la línea que será el dibujo delimitante de las zonas de mancha que se lograrán con el aguatinta. Cabe decir que esta técnica es un método de grabado artístico que hace posible lograr efectos y manchas de resultados pictóricos sugerentes en las estampas que el artista elabora de esta manera, la técnica permite al artista lograr  volumen en la estampa si la trabaja posteriormente con el bruñidor en determinadas zonas para aclararlas; el aguatinta, además de darle al grabado una rica gama de grises que dan fuerza a la estampa también aporta expresividad gráfica.

El procedimiento para trabajar esta técnica hace necesario tener en el taller una caja de brea o resinadora, incluso es conveniente saber que el grabador puede recurrir a un cedazo para espolvorear sobre la superficie de la lámina una fina capa de resina que deberá fijarse por medio de calor; es posible hacerlo si la placa es colocada sobre la plancha caliente para que los finos granos de resina se fundan y actúen como minúsculos puntitos de reserva que bloquean el metal en esos sitios para evitar la acción del mordiente cuando sea sumergida en el baño de cloruro férrico.

La brea usada en el taller de grabado es una resina de colofonia muy fina, se obtiene de cierta clase de pinos, va desde el color amarillo pálido hasta el pardo rojizo, es un elemento residual de la destilación de la trementina. Para conseguir la colofonia se hace una sajadura en los pinos para que fluya la resina y sea acopiada en un bote clavado en la corteza del árbol, después se acumula en un almacén para llevar a cabo el proceso de destilación mediante el cual se obtendrá aguarrás, trementina, turpentina, brea... Para realizar el aguatinta la brea debe estar molida finamente. Existen algunos establecimientos de artículos para arte en el que podemos encontrar la brea ya pulverizada y lista para su aplicación; sin embargo si no es posible obtenerla así, el grabador puede triturarla fácilmente con un aparato de picado doméstico, cuidando de no sobrecalentarlo ya que se la brea pegaría a las aspas del electrodoméstico.

Los tiempos que la lámina estará sumergida en el mordiente serán acordes a las tonalidades que pretendemos lograr, sin embargo se debe mencionar que los resultados van desde el gris más sutil con unos cuantos minutos, hasta los negros profundos como resultado de un mayor tiempo de inmersión en el mordiente. Asimismo el grueso de la brea determinará el aspecto del graneado en el aguatinta; también es importante considerar que al resinar una lámina con el cedazo, los granos de resina se depositarán sobre la superficie de la placa con una concentración desigual que proporcionará al grabado una textura de gran fuerza plástica; este tipo de efecto es conocido como brea abierta, si se limpia la brea después del primer baño en el mordiente y se aplica brea nuevamente de granos más gruesos estaremos efectuando lo que se conoce como breas cruzadas. Es importante saber que resinar con la caja de breas permite obtener una mordedura uniforme, un graneado controlado de resultado previsible, lo que facilita el trabajo del grabador para ciertos requerimientos gráficos.

Para lograr las distintas tonalidades del grabado al aguatinta después de fundida la brea en la lámina deberá utilizarse  barniz de recubrir para establecer las distintas tonalidades de gris  en el grabado, después de cubiertas las zonas que se pretende dejar en blanco se somete la lámina a la primer mordida, posteriormente se cubren otras zonas que se desee proteger y se introduce nuevamente en el mordiente, así sucesivamente hasta lograr los matices deseados. También es posible conseguir bellos degradados al aplicar sobre la lámina cubierta de brea distintas capas de lápiz litográfico.

Debo anotar que hay una gran variedad de procesos gráficos que requieren de esta técnica como el aguatinta al azúcar; proceso con el cuál el grabador dibuja el diseño con una solución de miel, azúcar y tinta china; una vez que ha secado el diseño se barniza la placa, seco el barniz se lava con agua caliente la lámina para abrir las zonas dibujadas con la mezcla de azúcar, se aplica la brea sobre la placa, se fija en la plancha caliente y se sumerge en el baño de mordiente. Resulta una mancha de expresivo efecto pictórico…

carmenalarconc@hotmail.com

Punta Seca y Colagrafía. El Chango Marrango

 "Cirquerilla"
All rights © Carmen Alarcón

 

El aguatinta

Por Carmen Alarcón Collignon

Para continuar la glosa sobre las técnicas que recurren al uso de la brea o resina en el grabado artístico abordaré  el aguatinta al azúcar. Técnica en la que el grabador realiza el diseño de la estampa en una plancha de metal limpia y desengrasada por medio de un  proceso de dibujo que utiliza una solución de miel de maíz, azúcar y tinta china o gouache negro; esta mixtura suele aplicarse con pincel o brocha directamente sobre la plancha. Sí se trata de trazos finos la lámina no deberá tener la capa de resina propia del aguatinta, es un método adecuado  para lograr líneas más gruesas o mordida abierta, en caso de zonas más amplias es mejor aplicarla con brocha sobre una plancha ya resinada y fundida la brea.

El negro de la tinta China permite al grabador ver la imagen dibujada sobre la superficie de metal y tener una idea acertada del resultado que  logrará después de sumergir la placa en el baño de mordiente. La elección para realizar el proyecto con pincel o brocha está determinada por los requerimientos y el desarrollo que el proyecto de grabado exige. 

Una vez que ha secado el dibujo, se recubre la lámina con barniz protector líquido y se deja secar; antes de bañar la plancha, barnizada, en el cloruro férrico se sumerge ésta en una tina con agua caliente y se lava la placa, la temperatura del agua disuelve la mezcla del azúcar  poco a poco, el azúcar se dilata con el calor  y levanta la capa de barniz protector, deja al descubierto el metal limpio o resinado donde se dibujo con las pinceladas el diseño de la estampa; recomiendo usar un pincel blando o la yema del dedo y pasarla suavemente sobre las partes dibujadas en la placa para acelerar el proceso de disolución, el resto de la lámina se mantiene protegida por el barniz de recubrir. El hecho de ser un proceso que involucra el uso del pincel o la brocha para elaborar el dibujo lo hace un procedimiento espontáneo de gran calidad pictórica.

El fundamento y soporte de esta técnica consiste en trazar sobre la lámina con cualquier líquido soluble al agua pero que tenga cierta densidad y se asga al metal, puede ser goma arábiga, miel líquida, incluso leche condensada funciona adecuadamente para el aguatinta al azúcar. La tinta China permite colorear la mezcla para que el diseño sea visible y percibir los trazos dejados por el pincel. Es un procedimiento indirecto del grabado calcográfico de gran expresividad gracias al efecto pictórico que produce en la estampa

Las láminas pueden ser de cobre, zinc, fierro o aluminio, deben estar protegidas por el dorso con laca, goma laca o precinto, para que al introducirlas al mordiente no se dañen. Pueden ser resinadas antes del diseño con la mezcla del azúcar o después de levantar ésta en el agua caliente, sin embargo cuando las zonas a levantar son muy amplias es recomendable la lámina resinada y fundida antes de elaborar el dibujo al azúcar. Los pequeños espacios abiertos entre cada punto de resina fundida serán mordidos por el cloruro férrico; la intensidad del color dependerá del tiempo que la plancha sea expuesta a la acción del mordiente, la profundidad de los surcos en la placa es equivalente al tiempo de mordida al que se expone la plancha. También es posible conseguir diferentes tonalidades en este proceso mediante reservas con el barniz de recubrir y las sucesivas inmersiones en el baño de mordido. La composición de la mezcla del azúcar con la que he obtenido mejores resultados es la siguiente: 50 % miel de maíz y 50 % tinta China comercial, la cantidad de azúcar granulado refinado que requiere esta mezcla, implica que el azúcar se diluya en la mezcla de miel y tinta hasta su saturación.

También considero importante y significativo abordar entre las técnicas o procedimientos aditivos de la calcografía el método llamado “Lavis”  o aguadas a pincel, igualmente conocido como  método de ácido directo. Este proceso produce aguadas como las que se logran en la acuarela, permite obtener pinceladas degradadas y medios tonos sugerentes.  Es casi imposible lograr por medio de este proceso valores de negros intensos, sin embargo con destreza técnica es posible llegar a ellos, por lo que es aconsejable practicar en placas pequeñas o sobrantes de metal antes de dañar un grabado ya en proceso.

Al igual que en el procedimiento anterior la lámina debe estar desengrasada y protegida del dorso así como resinada y fundida la brea. Se dibuja el diseño sobre la plancha con un pincel sintético empapado en mordiente concentrado, diluiremos las orillas del mordiente aplicado con pincel a la lámina resinada con agua clara para evitar bordes duros, también podemos proteger alrededor del “Lavis”  con aceite y mezclar con agua para obtener mordidas más accidentales pero ricas en expresividad. Este método puede igualmente enriquecer una plancha ya grabada con otra técnica e incluso acrecentar el aguatinta de una placa ya mordida por el cloruro férrico…

carmenalarconc@hotmail.com

La verde muñeca 03

 

La Serigrafía

Método de estampación milenario

Por Carmen Alarcón Collignon

 

"Fiestas patronales" 
® Carmen Alarcón Collignon

Hemos explicado que la serigrafía es el refinamiento de la impresión con plantillas o clichés que se realizaba en la antigüedad; como técnica artística ha tenido auge hasta hace poco, a mediados del Siglo XX y con la incursión de afamados artistas en la técnica de la serigrafía; en la actualidad es considerada una forma contemporánea de gráfica artística.

La serigrafía como medio de producción artística ha sido una de las técnicas de reproducción de originales múltiples más utilizada actualmente, y hasta el día de hoy sigue siendo una de las técnicas mas socorridas tanto en la industria y el diseño como en el arte.

Cabe decir que es un procedimiento de estampación aplicable a un sinnúmero de soportes, lo que la convierte en un proceso importante para la obra gráfica artística, así encontramos que los diferentes sustratos a los que se pude llevar la estampación serigráfica despiertan el ingenio del grabador y  estimulan la investigación por parte del artista. Esta técnica es un procedimiento especialmente manual, sin embargo la industria ha intervenido en sus aplicaciones, se puede aseverar que en la actualidad existe la industria serigráfica, pero no obstante ésta continúa siendo el mismo proceso pero adaptado a la manufacturación en serie.

Sin embargo es necesario conocer lo que la serigrafía artística encierra, es un proceso de originales múltiples que el artista realiza de forma manual, como serigrafía pictórica, o apoyado por los métodos industriales, utilizando fotolitos o negativos; empero el artista puede realizar las sedas con un complejo proceso artesanal que requiere del conocimiento especializado tanto en serigrafía como en técnicas de estampación múltiple. La seda tensada sobre el bastidor es para el artista, como la piedra cuando hace litografía.

El artista concibe la obra para realizarla en  serigrafía pictórica, con este método el artista realiza el diseño de forma manual, pintando sobre la seda con los bloqueadores opacos el dibujo, en positivo o negativo, para esto es necesaria la destreza y el conocimiento de la forma, entender el negativo y el positivo de una imagen. A cada trazo o serie de trazos corresponde un color, entrelazando la textura, a cada trazo un dibujo a pincel sobre la seda y un color más; lo que complica el procedimiento y hace imposible repetir la edición.

Para lograr una serigrafía pictórica se demanda del conocimiento de la técnica y un gran dominio sobre esta; también es requerimiento el conocimiento y comprensión del color y las leyes de la colorimetría, además de saber registrar los tonos mediante transparencias.

El artista grabador igualmente puede mezclar los procesos y utilizar negativos o positivos en conjunto con la técnica manual, esto enriquece el resultado. La obra terminada es firmada, titulada y numerada  a lápiz por el artista. La serigrafía artística encuentra campo en las artes escénicas, en la escultura, en la instalación, en el performance, etc. Es una técnica tradicional completamente vigente.

Actualmente la serigrafía es una técnica que le permite al artista encontrar una forma de llevar su obra a públicos a los que antes no llegaba. La serigrafía artística consiente enormes posibilidades expresivas para el artista grabador, le permite calidades de color y textura únicas del medio.

A pesar de la nobleza de la técnica encontramos oposición  en un gran número de artistas a trabajar la serigrafía, sin embargo cabe decir que la técnica no sólo nos permite realizar estampaciones, sino también puede ser una herramienta para enriquecer una pintura, ya que las sedas permiten el paso del óleo. Bastaría tener una seda con un diseño que el artista pretenda imprimir en un bastidor, pasar el rasero con óleo y después seguir pintando la tela.

Para esto podemos realizar nuestros negativos o positivos en la computadora, sólo basta conocer el programa indicado para hacerlos e imprimirlos en acetato; esto permite al artista manipular la imagen en el ordenador y desde el software, incluso el acetato impreso puede ser manipulado con distintos materiales o solventes.

Estos acetatos serían revelados sobre una seda sensibilizada y aún sobre la seda con la imagen revelada, el artista puede volver a manipular la imagen con el solvente adecuado para la emulsión sensibilizadora. Ésta es una de las técnicas más flexibles de la estampación, ya que no necesitamos maquinaría cara para realizar el trabajo serigráfico, aunque debemos estar al tanto que las máquinas optimizan el trabajo y agilizan la labor del serigrafista. 

"Habitación propia"
® Carmen Alarcón Collignon

Se cree de forma errónea que es una técnica compleja, empero sólo es necesario contar con un bastidor entretelado con seda, emulsión sensibilizadora, un par de vidrios y esponjas, goma, raseros, espátulas, tintas y el soporte sobre el que se va a imprimir el diseño.

De esta forma encontramos que la serigrafía es una técnica de estampación múltiple que nos permite un sinnúmero de posibilidades, pero también nos damos cuenta que es una poderosa herramienta que nos brinda una gran disponibilidad para la expresión del artista.

tu perfume

 

"Lindísima Amapola"
 ® Carmen Alarcón Collignon

El dibujo

La importancia de la estructura…

 

Por Carmen Alarcón Collignon

 

El dibujo es una forma de expresar el entorno que rodea al artista, es la representación gráfica de esa realidad en un medio o soporte bidimensional, es  lenguaje universal del que se echa mano para significar lo que no se puede expresar con palabras o, lo que al expresar por medio de la imagen alcanza mayor emotividad. Así se puede decir que el dibujo es un medio que comunica ideas: estéticas o filosóficas; como lo usaron en la prehistoria los primeros hombres para comunicar signos de su entorno. Estos primeros dibujos se remontan a hace 35 000 años, son representaciones con las que el Homo Sapiens simbolizaba lo que le rodeaba y tenían algún significado para él, el hombre prehistórico utiliza el dibujo para ornamentar su vivienda y comunicar un significado. Desde entonces el dibujo ha sido utilizado como lenguaje gráfico universal que permite comunicar ideas y pensamientos entre los seres humanos.

El hombre desarrolló dentro de la técnica del dibujo, dos formas de expresión gráfica distintas: la artística y la técnica o científica. Es el dibujo técnico del que se ha valido el ser humano para representar los diseños de un sinfín de objetos utilitarios, por el otro lado el dibujo artístico le ha permitido expresar su forma de percibir la realidad, a través de ambos dibujos ha elaborado tanto planos para realizar los objetos como dibujos a mano alzada que embellecieron libros, lugares públicos, mobiliario, textiles, etc.

Aduciendo  un poco de historia, cabe decir que los egipcios emplearon el dibujo para decorar los muros de las pirámides al igual que los antiguos pobladores de México. Son los griegos los que aportan la proporción armónica en el dibujo y los romanos le conceden con la diversidad de formas la magia de la línea.

Muchas han sido las aportaciones que los pueblos de la antigüedad han otorgado al dibujo, sin embargo es hasta los albores del Siglo XIX cuando se rompe el esquema de unidad de estilo y se aborda con el dibujo nuevas perspectivas en la expresividad plástica. Es el momento en que la expresividad deja de lado a la técnica para atribuirle al dibujo actualidad.

Las diversas formas en que se modifica el dibujo contemporáneo, a pesar de ser una de las técnicas de arte más tradicionales, permite que transmute con otros lenguajes plásticos y se convierta en un expresión híbrida que dialoga con otras formas expresivas más contemporáneas

No obstante lo anterior, una característica primordial del dibujo, es y será: la línea. Se debe destacar como particularidad del dibujo, la síntesis de recursos que esgrime la técnica, se podría parafrasear aquello de: “Menos para expresar más”. También es importante anotar que en la definición del término dibujo se entiende éste, como la sucesión de puntos unidos para conformar una línea. Además hay que anotar que es el papel, el soporte más común para el dibujo, aunque actualmente,  cualquier soporte es utilizado para conferirle al trabajo del artista mayor carga expresiva.

Con el dibujo espontaneo el artista expresa su manera de percibir la naturaleza, su capacidad de imaginación está íntimamente ligada a su percepción, y ésta a su vez al trazo, a la línea.

Las imágenes son responsables de la formación de pensamientos en la mente, que se convierten en palabras o imágenes auditivas de finos trazos mentales.

En el dibujo técnico el diseñador encuentra el lenguaje para proyectar y hacer entender de manera universal lo que está representando, suele ser dibujo que esgrime las formas geométricas, es una forma de dibujo destinada a personas capacitadas en el uso de herramientas de precisión. El dibujo técnico es la idea gráfica de un diseño que el diseñador propone para su construcción. Es una técnica importante para la industria, ingeniería y arquitectura.

Frecuentemente el dibujo ha sido concebido como el estado previo a la realización de una obra de arte, ha sido percibido como una imagen que se desvanece ante la consumación de una pintura o escultura, sin embargo muchos de estos dibujos que se quedan detrás del telón conforman la expresión del artista, son la idea primigenia de la imagen a realizar; son conocidos como bocetos o bosquejos y representan el proceso, son la manera en que el artista llega al destino final de una imagen, ideas que muestran el camino a seguir.

En ocasiones el dibujo contemporáneo no representa objetos ni imágenes conocidas, es frecuente encontrar que medios actuales de expresión se unen al dibujo y forman estructuras expresivas más complejas en las que la simbiosis de estas estructuras y los soportes bidimensionales transforman la representación gráfica al incorporar elementos como el video o las herramientas multimedia

El artista se apropia de lo cotidiano para generar nuevos soportes que permiten interactuar al espectador y pensar al artista en realizar una representación gráfica hecha por el espectador y generar un dialogo cercano con el público.

 

Continuará… 

Memorias que surcan

 

Pequeña historia del favorcito que todos pedimos algún día

Por Carmen Alarcón Collignon

"El favorcito" 
© Carmen Alarcón collignonCopyright 

Era aún una niña, me encantaba subirme al árbol del hule que estaba afuera de mi casa, vivíamos frente a la plazuela, a ésta la rodeaban de un lado la parroquia del Sagrado Corazón, el ingenio en el otro lado y la cooperativa cañera al final; todos los días pasaba la Camelina, una mujer muy bella pero de ojos tristes, cubría la testa con una chalina de encaje negra, así le decían al velo con el que tapaba su cabeza, se asomaban algunos rizo marrones y yo la observaba con detenimiento desde mi atalaya, la punta del árbol al que me subía a leer, a soñar y por qué no decirlo a fumar, entonces no se decía que fuera dañino; la Camelina, ajena a mi estadía en lo alto, pasaba frente a mi casa, sus zapatos repiqueteaban en la banqueta, zapatos de tacón muñequita negros y lustrosos, era una mujer pulcra, de apariencia serena  aunque sus grandes ojos parecían estar  llenos de agua, vestía un hábito café, lo hacía para pagar una manda que prometió un día, se fajaba la vestimenta con un rosario hecho con semillas de bolitaria, a diario visitaba por la tarde la parroquia, arreglaba los altares, prendía un sinfín de veladoras y asistía fervorosa al rosario y a la misa de la tarde, le rezaba a San Judas con inflamada devoción, decían que pedía por el regreso de un amor…

Un día no volvió a repiquetear la banqueta con sus apretados pasos, ni volvió a rezar el rosario o asistir a la misa de siete; me preguntaba qué pasó con ella cuándo escuché decir que se había fugado con su amor, un marinero que regresó al puerto y se la llevó… a nadie le haría falta porque vivía sola, sin embargo yo extrañaba el sonido de su pasos… Con el silencio de la tarde envolviendo mi atalaya supe que la Camelina era feliz para haber dejado atrás tantas cosas y me dije “San Judas le hizo el favorcito”